2) La discussione prosegue sul tema dei Contratti (CCNL) del settore dello spettacolo. Il settore ha ben 11 contratti diversi (decisamente troppi!). La base dei contratti (in fase di rinnovo quello fra lavoratori artistici e tecnici e imprese – stabili e compagnie – relativo alla produzione di spettacoli di prosa, rivista e commedia musicale) risulta obsoleta, è rimasta infatti pressoché invariata dagli anni Sessanta.
Da parte di Giancarlo Albori (CGIL spettacolo: di seguito sintesi del suo intervento) si sottolinea la difficoltà ad interpretare e affrontare un mondo del lavoro anomalo come quello dello spettacolo. Il sindacato infatti ha mantenuto un’ottica fordista del lavoro e spesso non è consapevole della realtà attuale. Oggi purtroppo esistono dei contratti a doppio regime, anche nelle realtà più strutturate, per cui chi entra oggi nel mondo del lavoro non avrà mai gli stessi diritti dei lavoratori delle generazioni precedenti.
Questo esiste anche perché i contratti, creati da settori strutturati, fanno fatica a rinnovarsi se i soggetti interessati non intervengono, e spesso ciò accade perché si preferisce conservare quel (poco) che già si è ottenuto.
Si apre una parentesi a proposito del Rapporto Stato/Regioni. Sempre secondo Albori la gestione del FUS da parte degli enti territoriali rischia di favorire sprechi delle risorse e minori controlli (oltre a potenziali forme di ineguaglianza sul territorio nazionale e clientela diffusa). E’importante esigere anche a livello locale che ci sia una congruità tra il finanziamento pubblico e il pagamento del lavoro e degli oneri sociali, ovvero affermare la necessità di finanziare solo chi paga il lavoro delle persone che concorrono a realizzare il progetto e l’attività dell’impresa.
Ma chi può essere oggi il soggetto preposto alla riorganizzazione e modernizzazione di un CCNL?
Come si può ricostruire un soggetto? C’è una difficoltà ad aggregare i lavoratori dello spettacolo anche perché all’interno della stessa categoria sussistono molte differenze (per esempio tra un tecnico della Scala e un tecnico dell’Elfo o di una piccola compagnia), quindi l’aggregazione e l’affinità di obiettivo andrebbe ricercata tra lavoratori di strutture produttive e dimensioni simili.
E’ importante creare aggregazione per sviluppare una massa critica anche rispetto al conservatorismo delle organizzazioni sindacali.
La strada può essere creare “distretti della cultura” un’aggregazione dei soggetti occupati nel settore creativo che operi con particolare riferimento al territorio.
La discussione fra gli organizzatori teatrali presenti si sviluppa in particolare sulla questione del costo del lavoro e della precarietà delle imprese. Ammessa l’importanza di essere regolari nel pagamento degli oneri sociali, l’autoimprenditorialità diffusa e la grande circolazione di lavoratori “in nero” deriva anche dalla consistente gravosità degli oneri sociali, anche per i contratti a progetto e affini (l’ INPS è oggi al 24%).
Fra le considerazioni che emergono: l’ENPALS è una struttura obsoleta e la sua riforma è improcrastinabile. Va affrontato il tema dei compensi agli artisti e l’ipotesi di calmieri (dal nuovo decreto ministeriale è sparito il massimale ENPAL). Si ricorda anche come tuttavia i massimali (in genere) possano risultare nei fatti controproducenti (vedi l’indicazione dei massimali nei cachet degli spettacoli, che hanno già probabilmente spinto verso l’alto i cachet medi).
Il problema è una situazione estremamente frastagliata, in cui si riconosce (e pure poco!) una precarietà aurea a scapito di una precarietà nascosta che in realtà si compone della grande maggioranza delle masse dei lavoratori dello spettacolo. Prima fra tutte va sottolineata la discrepanza tra i lavoratori nei settori della lirica rispetto a quelli della prosa . Perché si dovrebbe ritenere nobile la battaglia dei lavoratori delle strutture lirico-sinfoniche (rif.precedente affermazione Albori), quando si tratta di corporazioni che tutelano i loro interessi (o privilegi) economici e contrattuali? (Cuoco)

3) Sul tema – circoscritto ma rilevante anche sul piano simbolico e dei principi – dell’indennità di disoccupazione si rende necessaria qualche premessa “storica” e considerazione generale (che non può prescindere dalla constatazione di inefficacia).
Questa possibilità, che i lavoratori dello spettacolo iniziarono a scoprire all’inizio degli anni Novanta, ma che in realtà esisteva anche prima, si basa su requisiti minimi di 78 giornate contributive per l’accesso, l’anno successivo, ad un’indennità proporzionale al compenso ricevuto. Tuttavia ci sono qualifiche artistiche che non possono e non riescono a percepire l’indennità, anche perché la maestranza artistica è da sempre considerata per sua natura autonoma e le imprese devono spesso insistere con gli stessi enti per versare la quota contributiva che – identificando il lavoratore come dipendente – gli consente di percepire l’indennità di disoccupazione (N.B. secondo alcuni però sarebbero le imprese che tendono a non versare questa quota). Inoltre si verifica una difformità di trattamento da regione a regione e tra diverse sedi INPS (così in alcune regioni gli attori vi accedono e in altre no!) e le interpretazioni risultano comunque sempre troppo restrittive. Regna la confusione e il paradosso è che mettere ordine potrebbe determinare un peggioramento generalizzato
(Cuoco, D’Agostino, Gallina)

Un’ipotesi che emerge, unificando in qualche misura le diverse tematiche riguarda una possibile diversificazione all’interno dei CCNL e nell’applicazione degli obblighi contributivi, sulla base delle diverse realtà produttive: prevedendo per esempio forme di agevolazione per le giovani imprese, “premi” alla continuità occupazionale (minimi retributivi e oneri diversificati secondo la durata dei contratti). Si tratta anche di disincentivare la tendenza delle imprese a operare per “spot”. E’comunque necessario rinnovare i contratti per combattere irregolarità che risultano quasi inevitabili, riorganizzandoli in base alla realtà produttiva e non in base alle qualifiche. (Gallina, Mapelli, D’Agostino)
Nella fase finale dell’incontro si avvia una discussione delle cause della trasformazione (del peggioramento) del quadro organizzativo e economico generale del settore, che ha determinato ricadute così pesanti sul lavoro, in particolare a partire dagli anni Ottanta. Se oggi appare dominante la tendenza agli “eventi”, non bisogna dimenticare che il FUS in termini reali era 5 volte maggiore rispetto a oggi (anche se l’interveto degli EL ha in parte compensato); si tratta certo di un quadro non semplice da analizzare, di un cambiamento che gli operatori del settore dello spettacolo non sono in grado di controllare e di cui devono prendere più chiaramente coscienza. (Coletta, Stumpo)

Come procedere?
I problemi sono così complessi e intrecciati che non risulta facile inquadrarli e analizzarli singolarmente e in modo efficace. Inoltre è importante sottolineare che il carattere informale del gruppo (l’iniziativa di ateatro), può consentire di affrontarli senza steccati e preconcetti di ruolo o di categoria, può quindi avere un valore di sensibilizzazione e indicazione, ma non ha ovviamente pretese “rappresentative”

Si ipotizza comunque:

– un altro incontro a Milano sul tema specifico delle agevolazioni fiscali e previdenziali e in genere degli incentivi per i giovani lavoratori (che il gruppo invita Francesco D’Agostino a organizzare);

– il prossimo incontro – come indicato in premessa – verrà probabilmente programmato a Modena sul tema della formazione e dell’accesso al lavoro.

Agnese_Bonini,_Silvia_Guenzi,_Davide_Pansera

2008-03-16T00:00:00